Cine

Muchas sombras

Tim Burton es de esos directores cuyas creaciones se esperan como agua de mayo (nunca mejor dicho en estas fechas del calendario). Su particular visión fílmica, su sugerente imaginación y su intrincada y oscura vis cómica suponen siempre un foco de atracción para muchos espectadores que, como el que suscribe, desean encontrarse con productos verdaderamente estimulantes. Burton destila sus virtudes como cineasta apenas a cuentagotas y sin demasiada firmeza en su último filme, Sombras tenebrosas, cinta inspirada en una exitosa serie televisiva que relata la historia de Barnabas Collins, un vampiro decimonónico norteamericano que reaparece entre los vivos en los años 70 del pasado siglo y que ayuda a sus parientes a reflotar el negocio familiar. Obvia decir que el chupasangre está interpretado por el actor fetiche de Burton, Johnny Depp, y que uno de los personajes principales, la de la psiquiatra Julia Hoffman, lo protagoniza su mujer, Helena Bonham Carter. El director californiano no toma el pulso a la narración en esta especie de edulcorada familia Monster con pedigrí, en la que deja demasiados tiempos muertos -sin segundas-, descansando en exceso en un Depp que a veces parece que le puede el capitán Sparrow que lleva dentro. Lo mejor de este irregular filme (un pelín largo para un viaje con escasas alforjas) es, desde luego, una Eva Green desmelenada que le gana claramente la partida, jugando de bruja, al pálido vampiro.

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Cuento crepuscular

Hay películas que se sustentan única y básicamente en el buen quehacer de sus actores, intérpretes curtidos en mil batallas que logran que un filme con un guión sin el suficiente agarre logre captar la atención del espectador, o al menos hace que permanezca sentado en su butaca, lo que en los tiempos que corren ya resulta un mérito admirable. Es el caso de El exótico hotel Marigold, película que inauguró el pasado viernes la edición número 13 del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, y que lleva la firma del versátil John Madden (Shakespeare in Love, La deuda). Tener un elenco compuesto por gente de la talla -ahí es nada la alineación- de Judi Dench, Maggie Smith, Tom Wilkinson y Bill Nighy supone un seguro de vida para cualquier producción, aunque el libreto no cumpla con las expectativas. El exótico hotel Marigold no deja de ser un cuento crepuscular sobre un escueto y heterogéneo grupo de jubilados británicos que viajan a la India para pasar los últimos años de su vida alojados en un complejo residencial que, a la postre, no es el que le habían prometido. Un atractivo escenario para una tragicomedia, pero que se queda en un intento más o menos fructuoso. Temas como la esperanza, la ilusión, el amor, incluso el sexo en la senectud, pululan en un filme que, pese a disponer a priori de los mimbres para ello, no explota la acidez que conmina la situación. La cinta deviene en algunos instantes de cierta abulia, con un guión (basado en una novela de la escritora Deborah Moggach) que en su haber sólo cuenta con alguna que otra frase ingeniosa, pero que en su debe rezuma clichés (todo lo que tiene que ver con la India) y cierta dosis de previsibilidad, ejemplificada en una reiterada moraleja: siempre se está a tiempo de cambiar. En definitiva, una película entretenida a ratos y que gracias a Dios o a Shiva ha podido contar con unos artistas de primer nivel; de no ser así, el hotel Marigold estaría aún más derruido…

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Premio al cine mudo

En medio de este planeta digital, del 3-D y demás parafernalia técnica en la que vivimos, una película francesa, muda y en blanco y negro, ha reivindicado el mundo desposeído de palabras, en el que la imagen cobra su poder más descriptivo para emocionarnos. En un auténtico desafío creativo y comercial, The Artist ha cautivado al público con su sentido homenaje a un cine de otra pasta, de otros mimbres, que ya no volverá. La apuesta de Hazanavicius ha tenido su recompensa en la propia Meca del Cine, con un filme que recuerda a los estadounidenses en su propia cara los orígenes de esta industria. En la edición inaugural de estos galardones (que aún no se llamaban Oscar), que se entregaron por primera vez en 1929 (se premiaba a las películas del periodo 1927-1928), la ganadora se llamaba Wings (Alas), de William A. Wellman. Fue la primera vez y única (hasta el pasado lunes) que una cinta muda había logrado tal distinción. Wings suponía el canto del cisne de un modelo cinematográfico, en una época en la que la irrupción del sonoro era inevitable. Más de 80 años después, The Artist sorprende por su “modernidad”, revalorizando el espíritu de los pioneros…

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Goyas contenidos

Sobriedad, glamour hasta cierto punto discreto, poca fastuosidad, escasas sorpresas, alguna que otra crítica (muy tibia, cuando la hubo), algún espontáneo, y mucho humor (ya solo nos queda eso). Y es que hasta las galas entre las galas no se salvan de la alargada e inquietante sombra de la crisis. Los Goya más contenidos (por diversos motivos) que uno recuerde premiaron mesuradamente al favorito de las quinielas: ese western urbano llamado No habrá paz para los malvados, aunque nuestro (por lo de Mateo Gil) western del Altiplano, Blackthorn, tampoco se fue de vacío. Era lo esperado, incluidos los Goyas menores (salvo los premios a mejor actriz, Elena Anaya; y mejor banda sonora, Alberto Iglesias) para el hijo pródigo Pedro Almodóvar, quien con gafas a lo Jack Nicholson resistió impávido la velada. Eva Hache se sube al carro de presentadores -si bien se esperaba un poco más de ella- que se han ganado a pulso el volver a conducir una gala de los Goya. A diferencia de los estadounidenses en sus Oscar (Billy Crystal y poco más, no crean), por estos lares tenemos unos cuantos para elegir, desde los clásicos Rosa María Sardá y el Gran Wyoming, hasta José Corbacho y Buenafuente, sin obviar a un futurible en tales cometidos: Santiago Segura, con diferencia, el más canalla de los que pasaron el domingo por el acto. En una ceremonia que osciló entre las gracietas y el inicio del bostezo, se hicieron un sitio la emoción, en especial cuando subió al escenario una recuperada Silvia Abascal, y el absurdo, con el espontáneo que pidió dinero para un western en Extremadura (por allí pasó otro de Anonymous). La controversia también tuvo un cachito de protagonismo, una vez más con internet. Si el año pasado, el presidente saliente del cotarro académico, Álex de la Iglesia, decía que el “cine le debe mucho a internet”; el entrante, Enrique González Macho, opinaba que la red “no forma parte de la actividad económica de esta industria”. Qué cosas…

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El ombligo de la Thatcher

“A la Thatcher, échale laca”, me decía siempre con sorna un compañero del instituto. La primera ministra británica forma parte de los iconos políticos de los años 80 del pasado siglo, década en la que con su férrea gestión marcó toda una época, el denominado thatcherismo, no de muy buen recuerdo precisamente para la clase obrera de la Pérfida Albión, donde la palabra recorte, ahora tan de moda en nuestras vidas por razones de sobra conocidas, era moneda corriente. En La dama de hierro (no se comieron mucho la testa con el obvio título), la directora Phyllida Lloyd y la guionista Abi Morgan llevan a cabo un peculiar biopic en el que, sin entrar en ningún tipo de juicio crítico con el personaje (lo que a la postre se echa bastante en falta), se limitan a explorar los anhelos, las ambiciones y los miedos de esta enfant terrible de la política europea, que llegó a lo más alto del Gobierno de su Graciosa Majestad allá por 1979, poltrona de la cual no bajó hasta 1990. Con un tono pausado e intimista, la película se centra en las reflexiones -pasadas por el tamiz de la alucinación- de una más que otoñal Margaret Thatcher, que mantiene fluidas conversaciones con el fantasma de su fallecido marido (en sentido literal, que no figurado); y en la que a través del recurso del flashback vamos conociendo telegráficamente y sin mucha consistencia sus inicios políticos y su llegada y asentamiento en el poder. Esta verdadera hagiografía de Thatcher (de santa poco, aunque ya sabemos que este término se utiliza con bastante laxitud) rezuma condescendencia por doquier con una dama que se mira el ombligo constantemente, sin que el filme ahonde en un periodo lleno de turbulencias sociales. Punto y aparte merece la interpretación de Meryl Streep, un verdadero calco de la Thatcher, que borda el papel y que a buen seguro le reportará un nuevo Oscar que sumar a su amplia buchaca de premios, esta vez merced al sombrero, a las perlas y a los kilos de laca de Maggie.

 

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Mitología tuneada

A la espera del estreno de la “canaria” Furia de Titanes 2, de Jonathan Liebesman, la cartelera cinematográfica alberga estas semanas otra muestra de mitología griega adulterada, en esta ocasión, de la mano de Immortals, una suerte de peplum pasado sin cortapisas por el tamiz de 300 y la saga de El señor de los anillos y concebido para mayor gloria del 3D, en el que los guionistas de la cinta en cuestión, Charley Parlapanides y Vlas Parlapanides, a pesar de llevar a cuestas un claro apellido heleno, se pasan por el forro de sus caprichos la literatura clásica al respecto. Hollywood tiene la inquietante y cansina manía de intentar mejorar lo inmejorable. El prolífico, lascivo y puñetero panteón griego, con Zeus, Hera, Atenea y Poseidón a la cabeza, resulta lo suficientemente atractivo y estimulante para no descarriar por un precipicio el particular culebrón mitológico de la Hélade, pergeñando extrañas e incomprensibles compañías de viaje. Mezclar a un tipo como Teseo, uno de los héroes griegos por antonomasia, el “torero” del Minotauro, quien dejó en Naxos para vestir santos a la bella Ariadna, con la lucha entre titanes y dioses del Olimpo, es como juntar churras con merinas en una noche sin luna. Bien es verdad que el peplum, esas películas de túnicas y espadas, mal llamadas -por extensión- de romanos, no suelen ser muy fieles a la Historia y a la leyenda, pero siempre se agradece un poco de rigor al cotarro. Immortals, dirigida por Tarsem Singh, y protagonizada por Henry Cavill, Mickey Rourke (le pone ganas a la cosa yendo de canalla sin escrúpulos), John Hurt (que siempre cuenten con él), Freida Pinto (lo mejor, sin duda) y Stephen Dorff (raro verlo por estos lares), deviene en un testosterónico filme, con imágenes hiperbólicas y una estética algo kitsch, cuyo hilo conductor no convence ni al más impávido creyente. Entretenimiento el justo para llevarse un buen puñado de palomitas a la boca y poco más en esta enésima revisitación del mentado género. Lo dicho, a la espera de más furias de titanes, a ver si esta vez sorprenden…

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Cine sin palabras

The Artist no sólo es un auténtico, sentido y sincero homenaje al cine mudo, a las cintas clásicas de un Hollywood incipiente que estaba labrando en las primeras décadas del pasado siglo su propia y deslumbrante mitología, sino un islote reivindicativo que emerge súbitamente en el amplio, profundo y pujante mar de la era digital y de esa apabullante ola llamada 3D, demostrando que en blanco y negro y sin mentar una palabra aún resulta posible que nos emocionemos con el lenguaje desnudo de las imágenes. No fue fácil para Michel Hazanavicius rodar esta comedia de corte dramático, pero la espera mereció la pena: obtuvo, por ejemplo, el aplauso unánime en la última edición del Festival de Cannes (el largometraje ganó el premio al mejor actor, un genial Jean Dujardin a “lo Ramón Novarro”) y está en las principales quinielas para hacerse con otros galardones de solera. The Artist recrea con acierto la atmósfera y la estética barroca y ampulosa que envolvían muchas de las películas que dominaban el cine mudo hollywoodense antes de la irrupción del sonoro, espacios por los que pululaban estrellas como Douglas Fairbanks, Rodolfo Valentino, Mary Pickford, Gloria Swanson, Greta Garbo y el sin par Charles Chaplin, cuyo espíritu de vagabundo irredento transita en no pocas ocasiones por este evocador filme. Cine dentro del cine: Hazanavicius bucea y juguetea, como ya hiciera el tándem Stanley Donnen-Gene Kelly en la recordada Cantando bajo la lluvia, aunque en la cinta que nos ocupa insuflando una querencia más melodramática, con el traumático deceso de las películas mudas y la condena al fracaso de un buen puñado de actores que no pudieron o supieron “hablar”. Además del “gestual” Jean Dujardin, The Artist cuenta con un excelente elenco liderado por Bérénice Bejo y completado por intérpretes como John Goodman, James Cromwell y Penelope Ann Miller. En definitiva, un muy recomendable filme en el que se propina una bofetada desde Europa a los norteamericanos, para que vayan aprendiendo a honrar a sus dioses…

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Misión entretenida

Debo confesar que mis malos presagios para con Misión Imposible. Protocolo fantasma, especialmente con ese subtítulo tan de Las Guerras de las Galaxias (o de rimbombante operación bélica estadounidense), no se han cumplido. El cuarto filme de esta saga que bebe de la exitosa serie televisiva de los años 60 y 70 del pasado siglo no solo no finiquita un producto, como suele ser habitual cuando se empieza a estirar el chicle de una franquicia hasta la saciedad, sino que incluso lo viene a revitalizar. Un auténtico lavado de cara el efectuado para este vehículo de lucimiento personal del amigo Tom Cruise -el ínclito agente Ethan Hunt-, al que, ya de paso, le imploramos (a la Iglesia de la Cienciología si hiciera falta) que solo se centre en este tipo de películas, que al fin y al cabo es lo mejor que sabe hacer. La cinta posee el pulso y el ritmo necesario para que no bajes la guardia ni un ápice en las dos horas y pico que dura, lo cual, aunque va en el propio ADN de este tipo de filmes de persecuciones a tutiplén, de malos malísimos, de chicas de muy buen ver y de mundos a los que salvar, se agradece, porque no siempre se logra mantener el trasero del espectador en simbiosis con la butaca. Se nota de nuevo la mano del J.J Abrams de marras, que ejerce ahora aquí de productor, y de un sorprendente Brad Bird (el creador de Ratatouille y Los increíbles) en la dirección, así como las buenas sensaciones que dejan actores como Jeremy Renner, Simon Pegg y Paula Patton. Impresiona la secuencia en la que se escala el Burj Khalifa, en Dubai, el edificio más grande del mundo (por ahora), aunque no tanto la correspondiente escena de la destrucción del Kremlin (creo que de los pocos edificios emblemáticos que el cine no se había cargado). En resumidas cuentas, Misión Imposible. Protocolo fantasma deviene en una buena película de evasión que cumple con la regla básica del género de acción: entretener, además de entretener, y en la que me quedo con una cosa en particular: a los espías de ahora les van los cacharritos del fallecido Steve Jobs, sobre todo, el iPad y el iPhone… James Bond me temo que estás anticuado…

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Huelga de sexo en el Magreb

Al socaire de los vientos de cambio y de aire fresco que parece que pululan por algunos países del mundo árabe -tímidos todavía en determinados casos, y con poco fuerza-, nos llega una película que se sube a este carro, no desde un punto de vista político pero sí social: La fuente de las mujeres, del director de origen rumano Radu Mihaileanu, filme que participó en la última edición del Festival de Cannes. Mihaileanu, quien firmó -por refrescar la memoria del lector- la muy recomendable El concierto (2009), éxito internacional y nominada a los Globos de Oro, narra ahora las vicisitudes de un grupo de mujeres de una aldea perdida norteafricana que desde tiempo inmemorial tienen que ir a buscar el agua a las montañas, recorriendo un largo camino con pesadas cubas en sus hombros sin que los hombres del pueblo muevan un dedo, no sólo para ayudarlas, sino para ni siquiera molestarse en canalizar el líquido elemento hacia el poblado, demasiado ocupados en beber té y en mirar a las musarañas. Basada en una historia real acaecida, en este caso, en Turquía, las mujeres, lideradas por la esposa del maestro de la localidad, inician, hasta solucionar el problema, lo que ellas llaman una huelga de amor (más bien de sexo). En clave de cuento, con tintes de comedia que rebajan en realidad una situación mucho más cercana al drama, la de una sociedad en la que impera la desigualdad de géneros por tradición, el realizador nacido en Bucarest esboza un emotivo filme, subrayado por una notable fotografía que enciende la belleza indomable de los paisajes áridos del Magreb y por un elenco de buenas actrices lideradas por Leila Bekhti, en el papel de singular activista. En el ambiente de la película, algo confesado por Mihaileanu, planea también con claridad Lisístrata, la obra del griego Aristófanes, en la que se ensalza, entre otros aspectos, la determinación femenina. En definitiva, cintas como La fuente de las mujeres vienen a contribuir, aunque sea modestamente, a encender conciencias y a que la llamada Primavera Árabe se consolide y extienda, y no se limite a meros cambios políticos. La democracia en esas naciones nunca será posible si no se logra una convivencia más igualitaria, moderna y tolerante.

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El Redford conspiranoico

El magnicidio de Abraham Lincoln marcó el epílogo de la Guerra de Secesión norteamericana (1861-1865), hecho sobre el que planean, como parece preceptivo en este tipo de casos, pocas luces y muchas sombras, y en el que a pesar de que está claro quién fue el actor material de los hechos, el actor sudista John Wilkes Booth, hay cierta nebulosa sobre los implicados en la trama urdida para asesinar al que fuera el presidente número 16 de los Estados Unidos. La conspiración, la última película de Robert Redford como director (y ya van ocho en su buchaca), trata este asunto, si bien el título resulta un poco engañoso para el tema en cuestión, puesto que el actor nacido en Los Ángeles no se detiene a indagar ni en el fondo ni en las aristas de la confabulación perpetrada, sino que fija sus miradas en otras cuestiones, mucho más estimulantes desde el punto de vista de la reflexión y el debate, como el ninguneo de la Constitución -la estadounidense en esta ocasión, pero da igual- y las escasas garantías procesales existentes cuando el poder judicial está sometido arbitrariamente al ejecutivo en un contexto de guerra, ejemplificado aquí en la figura de Mary Surratt, la primera mujer condenada a muerte por el Gobierno federal de ese país, papel interpretado por una espléndida Robin Wright. Sin duda, Robert Redford convence en el planteamiento general, en un sobrio y pausado drama, no exento de un falso suspense, que se sostiene, fundamentalmente, en una acertada fotografía y en un excepcional elenco de intérpretes (a la citada Wright, se suman James McAvoy, Kevin Kline, Evan Rachel Wood y Tom Wilkinson). Sin embargo, en el debe de la cinta hay que anotar que tal vez no logra el pulso, la emoción y la fuerza de otros celebrados productos del subgénero judicial-histórico (por ejemplo, y por una mera cuestión de “contemporaneidad”, la magistral El sargento negro, de John Ford). Aun así, Redford ejercita un notable filme que merece la pena visionar en pantalla grande. Incluso, como le ocurrió al que suscribe el pasado viernes, si tienes sentado a pocos metros de ti a un par de descerebrados parlantes que no dejan de barbotear durante todo el pase. Total, si ir al cine sale barato, ¿no?…

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